Valadrem

Cuando hace año y pico completé mi repaso de series de anime con animales, me dejé una en el tintero. Bueno, en realidad obviamente me dejé muchas, pero hubo una omisión completamente intencionada, una serie de la que pasé de largo no solo sabiendo que existía sino a pesar de que me habían hablado bien de ella: Gundam Build Divers Re:RISE. Tenía motivos para ignorar esta serie. Para empezar, Gundam es una franquicia de finales de los años 70 sobre peleas con robots gigantes o mechas. Propiedad de Bandai, la venta de gunplas, o gundams de plástico, es el eje principal de la marca. Vamos, que resultaba más que evidente que es ante todo una serie para anunciar juguetes. A esto se le suma que, si no estoy equivocado, no sería hasta varias décadas después de su creación, en Gundam Build Divers, serie inmediatamente anterior a la que nos ocupa, cuando Gundam contó con animales antropomórficos entre sus personajes por primera vez. La cosa pintaba a excusa barata para llamar la atención de gente que de otro modo no tendría el menor interés por Gundam, así que decidí no picar.

Después de pasar de Re:RISE durante varios años dando por sentado que no me estaba perdiendo nada, recientemente volví a encontrarme con algunos comentarios sobre la serie... y esta vez la curiosidad pudo más. La cosa seguía sin ser fácil, en más de cuatro décadas de la marca el número de series, especiales y películas del universo Gundam se cuentan por docenas, en ningún caso era plan de ponerse a ver todo. Por suerte, un hilo de Reddit de gente que ya tuvo la misma duda en su momento indicaba que la serie se podía ver perfectamente por sí sola, únicamente con la sugerencia de ver primero la ya mencionada Build Divers, aunque sin que esto fuera imprescindible, así que me decidí por esto último, por si acaso. Lanzada en 2018, Gundam Build Divers es la tercera entrega del universo Build de Gundam, tras Gundam Build Fighters en 2013 y Gundam Build Fighters Try en 2014. En este universo, que lleva al extremo el descaro de ser un anuncio de juguetes, ya no se trata de ver auténticas peleas con robots gigantes: los propios gunplas son enormemente populares y se organizan torneos para hacer batallas con ellos. En las entregas anteriores, que no hace falta conocer para ver ésta, estos torneos se hacían usando una mesa holográfica que aquí veremos de pasada, pero la novedad de Build Divers es que los avances de la tecnología han permitido desarrollar un mundo de realidad virtual inmersiva donde los jugadores pueden escanear sus muñequitos de plástico y jugar junto a ellos como si fueran auténticos robots gigantescos, lo que en principio permite dar algo más de interés a las batallas que se muestran. En esta entrega seguiremos a Riku, un aficionado a los gunplas que decide apuntarse a Gunpla Battle Nexus Online, GBN, el nuevo mundo de realidad virtual de la serie, con el objetivo de llegar a ser tan buen jugador como su héroe, Kyoya, el actual campeón. A partir de aquí, la serie es básicamente lo que se espera de ella, un anuncio muy largo. Sí puedo decir que las batallas están bastante curradas, pero siendo que es algo que no llamaba mucho, la mayor parte de la serie no me ha interesado demasiado. Como comentaba antes, es en esta serie donde conocemos a los primeros furros de Gundam: el armiño Rommel y Tigerwolf, un lobo to mazao. Personajes secundarios pero bastante carismáticos y que acaban teniendo roles bastante importantes, pero que aun así no justificarían por sí solos ver la serie, toda vez que ni siquiera podemos olvidar que los jugadores de GBN son todos humanos que simplemente pueden personalizar su apariencia en el juego. De todos modos, tengo que decir que al llegar a los últimos episodios, la serie por fin coge ritmo y plantea una historia más interesante que lo que sea que habíamos estado viendo en los primeros 20 episodios, así que a pesar de un comienzo bastante insustancial y anodino creo que haber elegido ver esta serie para empezar no ha sido una pérdida de tiempo después de todo. Decisión en la que me reafirmo al pasar a lo que considero el plato principal, haciendo mía la recomendación de ver Build Divers antes que su secuela ya que este prólogo hace a la segunda aún mejor. Un año después del final de Build Divers veía la luz su secuela Gundam Build Divers Re:RISE, una entrega que, al contrario que la serie de televisión anterior, era lanzada directamente en el canal oficial de YouTube de Gundam. Situada en el mismo universo que Build Divers pero dos años después de los eventos con los que acababa su predecesora, Re:RISE comienza con el anuncio de una nueva versión de GBN, mucho más realista y con infinitas misiones para que los divers puedan poner a prueba sus gunplas. En el primer episodio conoceremos a Hiroto, un jugador que tuvo una experiencia bastante negativa en GBN relacionada con lo visto en la serie anterior. A pesar de su desencanto, la actualización de GBN le sirve de excusa para volver a visitar un mundo virtual que le resulta muy doloroso. En pleno lamento de prota atormentado, un cantamañanas con ganas de ser el primero en encontrar una de las nuevas misiones secretas se le acopla. Seguidos de cerca por un jugador novato en busca de un equipo con el que jugar, todos oyen unos gritos desesperados. Al buscar su origen, que encuentran junto con otra jugadora que pasaba por allí, descubren una ventana del juego donde conocen a Freddie, un personaje con forma de perrete que les cuenta que necesita su ayuda. Ante la perspectiva de ser los primeros jugadores de GBN que superan una de las nuevas misiones secretas de la actualización, el improbable grupo de cuatro jugadores bastante desiguales que se acaban de conocer se apunta y sus avatares son transportados a una nueva arena. Tras derrotar a los enemigos y constituirse oficialmente en un nuevo equipo vuelven al mundo central del juego, pero quedan decepcionados al ver que no han recibido ninguna recompensa por su partida. Descartando pues que la misión que han aceptado fuera un evento único, solo les queda suponer que se trata de una misión de historia que necesitará de varias batallas antes de llegar a un final. Tras muchas dudas deciden continuar, esperando que la recompensa para una misión de ese tipo valga la pena. Irónicamente, las monumentales batallas que podíamos ver continuamente en la entrega anterior y que eran prácticamente su único punto fuerte resultan aquí algo más comedidas y menos espectaculares, al menos en la primera parte de la serie, así que quien estuviese buscando más de lo mismo tal vez quedara un poco decepcionado con el inicio de esta secuela. No era mi caso, así que yo me he centrado sobre todo en otros aspectos y, ahora sí, tengo que decir que he quedado absolutamente impresionado.

Con un ritmo y una acción impecables, un desarrollo de personajes que, vale, rechina y mucho al principio pero coge fuerza enseguida pero, especialmente, una historia que me ha enganchado desde el primer episodio, Re:RISE ha sido, de lejos, una de las sorpresas más agradables que recuerdo en mucho tiempo. Una serie vista con muchas dudas de la que no esperaba absolutamente nada pero que me ha acabado enamorando, una de las mejores secuelas que he visto jamás que abraza y consigue corregir magistralmente los muchos errores de su primera parte, e incluso una insospechada aunque no demasiado disimulada revisión de algún clásico del género al que, contra todo pronóstico, llega a superar con creces. Lo gracioso es que no puedo negar que tuviera algo de razón al principio. La serie no intenta esconder en ningún momento que es, literalmente, un anuncio de muñecos de plástico, y también queda bastante claro que el único motivo por el que el reparto incluye kemonos es para llamar la atención de la gente como yo. Pero, por increíble que parezca, funciona.

No es un anuncio al que solo le añadieran perretes-persona para despistar, realmente es una auténtica serie sobre perretes-persona, hecha con todo el cariño que se podía, mezclada con un anuncio. Y sí, es raro de narices. Y sí, qué duda cabe de que sería incluso mejor si no fuera un anuncio. La verdad, ni siquiera estoy seguro de que tenga sentido como anuncio, porque después de todo sigo sin tener ningún interés en ponerme a armar gunplas. Pero al menos sí puedo decir que es un pedazo de serie que queda muy, muy arriba entre mis favoritas y que merece un destacadísimo puesto de honor en aquella lista en la que me resistí a incluirla. Decir que la recomiendo sería quedarme corto y me alegro mucho de haberle dado una oportunidad. Sencillamente, fantástica.

Actualizado: Se me olvidaba comentar que Re:RISE tuvo un pequeño epílogo, Gundam Build Divers Battlogue, un anuncio corto de 10 minutos mostrando a los protagonistas jugando una última batalla de gunplas. A pesar de no aportar nada a la historia ni tener la menor relevancia, al menos es una buena excusa para poder disfrutar del bueno de Freddie un ratito más, así que se deja ver. El universo Build tendría continuación (y probablemente cierre) en 2023 con Gundam Build Metaverse, una olvidable miniserie de tres episodios anuncios sin pies ni cabeza y con una animación bastante inferior a la de las series precedentes. Lanzada como conmemoración del décimo aniversario de Build Fighters, su único interés es volver a ver a algunos personajes de las cuatro series anteriores, que entran y salen a lo loco y sin siquiera respetar sus respectivas continuidades. Aunque Freddie también tiene un (minúsculo) cameo aquí, no hago extensiva mi recomendación anterior y creo que Battlogue es el mejor punto para dejarlo.

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En la entrada anterior me dejaba en el tintero mi comentario sobre una de las series que he visto estos últimos meses. La serie en cuestión es SAND LAND. Basada en un manga de Akira Toriyama, la serie presenta un mundo en el que el agua se ha convertido en un producto de lujo. El sheriff de un pequeño pueblo, acompañado de un par de demonios, emprenderá la búsqueda de un manantial legendario para que la gente de su país tenga agua suficiente. Soy, probablemente, la única persona hispanohablante sobre la faz de la tierra que jamás ha visto un episodio de Bola de dragón, así que esta serie ha sido mi introducción al mundo de uno de los autores más conocidos y queridos de Japón. A pesar de estar considerado una obra menor, lo cierto es que la experiencia ha sido francamente satisfactoria, con unos personajes increíblemente carismáticos (enorme Beelzebub), montones de acción, algunos momentos muy divertidos y una ambientación excelente, la serie me ha enganchado desde el primer minuto y sin duda no podía haber pedido más. No va a cambiar mucho porque no me veo con fuerzas de embarcarme en la disparatada tarea de ponerme a ver los miles de episodios de las múltiples series de Bola de dragón, pero si una obra menor puede ser tan entretenida, entiendo el amor incondicional de tantos millones de fans por la obra principal. Por cierto, pese a la escasa duración del anime, únicamente la primera mitad de la única temporada está basada en el manga y, como tal, cuenta una historia que perfectamente se puede dejar ahí. De hecho, esta primera mitad se lanzó originalmente como película antes del estreno de la serie. La segunda mitad de la temporada introduce una gran cantidad de nuevos personajes y escenarios para contar una nueva historia, con importantes agujeros de guion que se pueden hacer demasiado obvios, pero ofrece la oportunidad de seguir un poco más con nuestro trío de protagonistas, así que para quien les haya cogido cariño creo que vale sobradamente la pena. Junto con la serie también se lanzó un más que notable videojuego de mundo abierto que cuenta básicamente lo mismo que el anime, de modo exageradamente expansivo (estamos hablando de cerca de 50 horas de videojuego) por lo que es básicamente café para los muy cafeteros, aunque afortunadamente con un buen número de cambios para que no resulte un calco directo. Además de la introducción de dinosaurios y robots a cascoporro, entre esos cambios destaca la introducción de aún más personajes, algunos de ellos, irónicamente, más interesantes que algunos de los personajes nuevos de la segunda mitad del anime, así como cambios en las motivaciones y acciones de algunos de los otros personajes, en ocasiones bastante acertadamente. Me ha llamado especialmente la atención un detalle bastante menor, aunque no por ello menos desconcertante, en el que los personajes están a punto de hacer algo que hacían en la serie pero terminan haciendo algo diferente y comentan de pasada que haber hecho lo otro habría sido absurdo. Aunque le dedico una entrada separada tal vez esta serie no sea especialmente superior a algunas de la entrada anterior. Pero, la verdad, me ha resultado enormemente entretenida, me ha dejado completamente enganchado y he disfrutado un montón tanto con la serie como con el videojuego, así que me apetecía dedicarle algunas líneas más que meramente un breve comentario de pasada.

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Dado que, por algún motivo y sin que recuerde bien cómo, hace un tiempo empecé a llevar un registro de los animes que iba viendo, he pensado en publicar una actualización para comentar los que han caído desde Tonari no Yokai-san el pasado verano. Han sido nada menos que cinco series en estos meses, así que voy a ir muy por encima, aunque me permito saltarme aquí la tercera de la lista, a la que dedicaré una entrada aparte.

Empiezo con Tragones y mazmorras. Un dragón ataca a un grupo de exploradores en una mazmorra mágica, devorando a la hechicera del grupo. El resto del grupo, obligado a escapar durante el ataque, vuelve a la mazmorra a rescatar a su compañera, pero sin dinero para provisiones toman la decisión de alimentarse de los monstruos de la mazmorra durante su búsqueda del dragón. Una de las series más recomendadas del año, debo decir que me ha gustado bastante. Muy buen desarrollo del mundo mágico, buena mezcla de lore y acción, buena animación y buenos personajes. Por desgracia, saltar a una serie tan basada en la tradición occidental inmediatamente después de una serie sobre yokai tal vez no fuera una gran idea porque ver tantos monstruos familiares después de ver criaturas que no conocía de nada estropeaba un poco la parte fantástica, pero no era esto en modo alguno problema de la serie sino mío. También quiero comentar que me ha gustado el doblaje en español, con mención especial a cierto algo que le pasa a los personajes cerca del final de la temporada, donde en mi opinión los dobladores lo dan todo, momentazo.

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La segunda serie de la lista es Solo Leveling. El cazador de mazmorras más débil del mundo queda atrapado en una mazmorra muy superior a su nivel y ve como la mayor parte de los miembros de su equipo, todos ellos más experimentados que él, mueren a manos de monstruos terribles. Aunque todo parece perdido, acaba despertando en un hospital prácticamente ileso y con una nueva capacidad única en el mundo que le permite aumentar su poder y aprender habilidades nuevas como ningún otro cazador. Serie a la que llegué por su vaga similitud con la anterior, reconozco sin embargo que me costó mucho entrar en ella. Desde el momento en el que el protagonista sobrevive a su paso por la mazmorra maldita, la serie adopta una estética de videojuego, convirtiendo al protagonista en un jugador. Estadísticas, movimientos especiales, hasta un inventario con consumibles, el lote completo. Aunque entiendo que esta decisión ayuda mucho a mostrar la evolución del protagonista como cazador con un símil muy familiar, para mí chocaba frontalmente con el trasfondo dramático que quería transmitir la trama y me hacía muy difícil tomarme la historia en serio. En su defensa decir que el ritmo es fantástico e incluso con enormes dudas no se hace nada pesada, pero también debo decir que al llegar al último episodio de la temporada y ver que la historia no acaba, no me siento especialmente tentado de seguir.

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Me salto la tercera de la lista y paso a Shangri-La Frontier. Un gamer con una predilección por los videojuegos basura decide darle una oportunidad a Shangri-La Frontier, considerado una obra maestra de los videojuegos de realidad virtual inmersiva. Encontré esta serie completamente por casualidad y me hizo gracia el resumen, sobre todo teniendo Solo Leveling tan fresca. Irónicamente, a pesar de que en este caso el protagonista sí está, realmente, jugado a un videojuego, el tono completamente diferente de la serie me ayudó a aceptarlo desde el primer momento. Sin llegar a ser una serie que abrace exageradamente el absurdo, detalles tontos como la máscara de pájaro del protagonista o algunos momentos disparatados de vez en cuando marcan la diferencia por completo, ya no es una historia seria que no me puedo tomar en serio, es que no es una historia seria y la serie se molesta en recordártelo para que no te flipes.

No solo de esos momentos de humor vive Shangri-La Frontier, también ayudan, y mucho, unos excelentes personajes, donde resulta imposible no enamorarse de Ellym (desu wa!), disfrutar de algunos momentazos de Pencilgon soltándose la melena y donde incluso la arquetípica chica que está coladita por el protagonista pero es demasiado tímida para declararse tiene un papel más importante del que cabía esperar en un principio. Muy, muy entretenida, solo he visto la primera temporada pero ya tengo ganas de ponerme con la segunda, que ha empezado hace poco.

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Acabo esta entrada con Dan Da Dan. Un chico que cree en extraterrestres pero no en fantasmas se tropieza con una compañera de instituto que cree en fantasmas pero no en extraterrestres y se desafían para ver quién tiene razón, solo para acabar teniendo que enfrentarse juntos a fantasmas y extraterrestres. Uno de los bombazos de la temporada con una auténtica legión de fans, por desgracia para mí víctima de su propio éxito. Ante las críticas que la consideraban poco menos que serie del siglo tenía unas expectativas altísimas que la serie no ha llegado a cumplir. Aunque la animación es excelente y el desarrollo de toda la parte fantástica está muy bien, no me ayuda mucho a conectar con los dos protagonistas que la grandísima turbo vieja se coma la escena siempre que está presente o que los grotescos extraterrestres salidos resulten más cómicos que los líos amorosos en el cuadrángulo amoroso de los protagonistas.

No quiero desmerecer la serie y muy probablemente seguiré viéndola cuando se estrene la siguiente temporada, pero al menos en mi opinión no es esa obra maestra que esperaba encontrar. En cualquier caso, en honor a la verdad, hay un episodio en concreto que me pareció absolutamente brillante y destaca por encima del resto, por lo que entiendo y respeto que hiciera que mucha gente se enamorara de la serie.

Termino la lista en la siguiente entrada.

Etiquetas: Anime, Críticas en profundidad

Después de haber visto ya unos cuantos animes porque me venían recomendados, ya fuera por personas humanas o por El Algoritmo, hace unos meses decidí darle una oportunidad a un anime nuevo sin tener ninguna referencia sobre el mismo. La serie elegida fue la reciente Tonari no Yokai-san, algo así como Mi vecino yokai, y la he venido siguiendo desde su estreno en abril. Este fin de semana se emitió el último episodio y me apetecía dedicarle unas palabras. La acción transcurre en un pueblecito de Japón, pero en un mundo diferente al nuestro en el que humanos conviven con yokai, espíritus de todo tipo. Uno de estos yokai es Buchio, uno de los protagonistas de la serie, nacido como un gato normal y corriente que a los 20 años de edad renace como nekomata y debe adaptarse a su nueva vida en la que ya no es una simple mascota sino un ciudadano más, con trabajo, carnet de conducir y seguro médico. O, por ejemplo, otro es Jiro, un tengu, hombre cuevo con poderes sobrenaturales, encargado de proteger el pueblecito en el que viven. El universo de la serie resulta enormemente atractivo, el modo en el que la serie integra sus elementos fantásticos es genial y las continuas perlas de folclore japonés resultan una delicia. Tampoco se quedan atrás los personajes, no puedo ocultar que Buchio me parece encantador, pero muchos otros personajes resultan igualmente muy interesantes. Y no quiero dejar de alabar uno de sus mayores aciertos, puede que el más inesperado, los momentos de reflexión que nos regala la serie, donde las dudas y los hallazgos vitales de los personajes en un mundo tan diferente al nuestro quizás acaban siendo mucho más cercanos de lo que parece en un principio. Por desgracia, pese a sus muchos puntos fuertes, la serie resulta a ratos frustrante. Basada en un manga de cierta longitud pero con capítulos muy cortos, la adaptación acaba pareciendo algo caótica. Así, mientras el manga está claramente estructurado como una colección de breves escenas del día a día en la vida en Fuchigamori, esto es algo que la serie no ha sabido plasmar por completo para quien venga de nuevas, haciendo que la sensación que deje es la de que las tramas principales se mezclan sin ningún criterio con otras tramas secundarias que apenas se desarrollan. Al no conocer en absoluto el manga de antemano, al que solo me he asomado una vez terminado el anime, este aspecto de la serie me parecía muy extraño, pero haber leído unos pocos capítulos me ha ayudado a reconciliarme por completo con el mismo. Lamentablemente, el manga no ha sido traducido oficialmente a ninguna lengua romance y la única traducción hecha por fans está incompleta, con lo que apenas es posible encontrar en inglés 23 de los más de 100 capítulos. Así y todo, recomiendo encarecidamente echarle un ojo a alguno de estos primeros capítulos antes de entrar en el anime, me arriesgaría a decir que hace la adaptación muchísimo más valiosa. En cualquier caso, y pese a lo extraño de su ritmo al que solo he acabado cogiendo el punto en retrospectiva, Tonari no Yokai-san me ha parecido una serie preciosa y una gran experiencia. Siendo que es una serie que ha acabado pasando muy desapercibida, me alegra haberle dado una oportunidad sin haber esperado a una recomendación que seguramente nunca habría llegado.

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Hace algún tiempo que no hablaba de algún anime por aquí, así que hoy rompo la racha por partida doble. Empiezo con Aggretsuko, serie de 2018 que sigue a Retsuko, una contable de Tokio que por las noches se desahoga de su trabajo insufrible cantando death metal en una cabina de karaoke. Debo reconocer que empecé a ver la serie en cierto modo engañado. Netflix a menudo la incluye en una lista común con BNA y Beastars, dos series que ya había visto antes pero con las que, ciertamente, Aggretsuko tiene más bien poco que ver. Así, mientras BNA y Beastars beben mucho de Zootopia (perdón, Zootrópolis) y basan una parte enorme de su trama en la condición animal de sus personajes y en el desarrollo de mundos notablemente diferentes al nuestro, Aggretsuko es una serie más tradicional en la que las personas tienen apariencia animal únicamente por razones de estilo. Puede que las aventuras de Retsuko no sean tan espectaculares como las de Michiru o Legoshi, pero así y todo su serie acaba resultando muy recomendable. Es difícil no simpatizar con Retsuko y su lucha por salir adelante, o no cogerle cariño a los otros personajes, especialmente sus compañeros Fenneko y Haida. A pesar de algunos altibajos y un par de momentos algo dudosos, la serie consigue mantener su espíritu amable a ritmo de death metal durante cinco temporadas que se ven enseguida. La segunda serie es Odd Taxi, de 2021. Aquí seguiremos los pasos de Odokawa, un peculiar taxista nocturno, y sus variopintos clientes, desde la noche de la misteriosa desaparición de una chica en Tokio. Aunque la premisa de Odd Taxi me interesó tan pronto oí hablar de ella, quiso la mala suerte que mientras estaba intentando comprobar si la serie había sido doblada al castellano (por cierto, no), leyese por accidente un comentario que destripaba por completo el último episodio. Si normalmente saber cómo acabará una serie de misterio es suficiente para quitarle gran parte del encanto, en este caso la cosa era aún peor ya que cierto detalle revelado en aquel comentario me parecía a priori bastante desafortunado: así como Aggretsuko era la víctima inocente de un malentendido promovido por Netflix, aquí (mal)interpreté que era la propia serie la que intentaba ser algo que no era, por lo que acabé dejándola aparcada. Pasaron casi dos años hasta que volví a encontrarme con Odd Taxi y, pese a aquella reticencia inicial, me animé a darle una oportunidad después de todo. Me alegro enormemente de que así fuera. Con un ritmo fantástico que engancha desde el primer episodio, incluso sabiendo qué va a pasar, es imposible no seguir mirando para ver cómo encajan todas las piezas. Puede que no todos los personajes estén igual de desarrollados o tengan el mismo interés, pero juntos conforman una apasionante historia digna del mayor respeto. Me resultó especialmente curioso ver como aquel detalle que me hizo apartarme de la serie en un primer momento acaba siendo, para bien o para mal, una parte de la historia y no la mera trampa cutre que me pareció en un primer momento. Una serie, en resumen, formidable y absolutamente recomendable. La serie fue recortada y (mínimamente) ampliada en forma de película con el título de Odd Taxi: In the Woods. A pesar de que puede resultar tentador decantarse por la película en lugar de ver la única temporada de la serie, debo decir que lo considero una terrible idea que desaconsejo por completo. Aunque incomprensiblemente la película mantiene algunos elementos que eran poco más que mero relleno, recorta brutalmente el que es, de lejos, el mejor episodio del anime, reduciéndolo a su más mínima expresión. Sin desmerecer la película como oportunidad para repasar la serie y volver a ver las miguitas que estaban por el camino, tristemente me parece una edición malograda que empañará la experiencia para quien la use para conocer la historia por primera vez. Hasta aquí las recomendaciones de hoy.
En cuanto Japón se anime a animar más animes con animales, más.

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Algo más tarde de lo esperado, por fin he puesto remedio a la que hasta ahora era una de las más clamorosas ausencias de mi lista de series. Beastars no solo es el anime furro por antonomasia de Netflix, sino que es también la primera sugerencia al acabar de ver (o simplemente al buscar) mi queridísima BNA, así que no tenía excusa para pasar esta serie por alto. El estilo de la serie, alejado tanto del antropomorfismo al que las series de dibujos occidentales nos tienen acostumbrados como del kemono japonés más habitual, puede hacer de Beastars una serie que no entre por los ojos de primeras. Por suerte, no es un estilo al que cueste acostumbrarse y además resulta mucho más acorde a la historia que se nos cuenta, así que me gustaría comenzar con una invitación a no juzgar la serie por la portada a quien de entrada no sienta mucha simpatía por el desgarbado lobo protagonista. Con un mundo mucho más cercano a la Zootopia de Disney que al de su serie vecina BNA, en Beastars no hay humanos ni gente que cambie de especie, solo hay carnívoros y herbívoros. Y, aunque la sociedad se basa en la convivencia entre ambos grupos, es esta convivencia algo mucho más frágil que en la película de Judy y Nick. La acción transcurre en la Academia Cherryton, un instituto que precisamente promueve las clases mixtas para favorecer esta convivencia. Una convivencia que puede saltar por los aires cuando una noche uno de los estudiantes herbívoros es devorado por un carnívoro dentro del edificio.

El suceso marca profundamente a los estudiantes de la academia, especialmente a Legoshi, un lobo gris compañero del estudiante asesinado. Permanentemente avergonzado de su propia fuerza, tímido y siempre apartado de los focos, la pérdida de su colega y más tarde un encuentro accidentado con Haru, una coneja blanca con la que sentirá una conexión especial, harán que Legoshi empiece a replantearse su odio hacia su fuerza y busque el modo de usarla para proteger a los herbívoros. Por su lado, Louis, un ciervo también compañero de Legoshi, también emprenderá su propia búsqueda del mejor modo de hacer que carnívoros y herbívoros puedan convivir. Con una primera temporada impecable, tanto la evolución de los personajes como el desarrollo de todo el complejo mundo de Beastars hacen de esta una serie muy a tener en cuenta. Lejos de ignorar lo difícil que sería mantener de una pieza una sociedad en la que la mitad de la población ve a la otra mitad como un aperitivo, esto es algo muy presente en todo momento y la serie se mete en el barro para mostrarnos los oscuros secretos que hacen que las cosas se mantengan en su sitio, por lo menos en apariencia, mientras los personajes viven una lucha permanente, ya sea contra sus instintos o contra el temor de saberse víctimas potenciales en todo momento.

En el apartado técnico, la animación, pese a la a priori cuestionable decisión de usar CGI, acaba siendo enormemente acertada. Un sobresaliente trabajo de modelado hace que los personajes sean enormemente expresivos aun representando especies muy distintas, pero la animación no se limita a jugar sobre seguro sino que además arriesga con un gran manejo de los cambios de estilo para subrayar ciertas escenas y con una cinematografía fantástica que nos regala algunos planos más que memorables. Por desgracia, la segunda temporada, algo más dispersa, baja ligeramente el nivel. Demasiados personajes entrando de la nada o desapareciendo sin más, tal vez demasiadas tramas. No llega a ser algo que desluzca el conjunto ni mucho menos, pero tras una primera temporada casi perfecta algunas decisiones en la segunda entrega resultan extrañas. A cambio nos queda este genial Monster de Yoasobi, canción de cabecera de la temporada que llegó a colarse en los primeros puestos de la lista de éxitos de Japón.



La tercera y última temporada de Beastars se estrenará en 2024, alrededor de tres años después de la segunda temporada, así que tengo confianza en que todo este tiempo extra para pulir los últimos episodios sirva para dar un buen cierre a la serie. Mientras tanto, y salvo que cambie mucho la cosa, Beastars tiene un bien merecido puesto de honor en mi lista de series imprescindibles.

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Hace apenas unas horas se estrenaba el douodécimo y último episodio de Made in Abyss: La ciudad dorada del sol abrasador, serie que, aunque de momento no está doblada al español, hemos podido ver por estos lares gracias a que Selecta Visión se ha volcado con ella de un modo sobresaliente, ofreciendo un estreno simultáneo y en abierto con subtítulos traducidos para los que no estamos muy puestos en lo de hablar japonés. La ciudad dorada es continuación directa de aquella serie de la que ya hablé hace unos meses, pero se presenta casi como una serie nueva con título nuevo, cabecera nueva y tema principal nuevo, más que como una mera segunda temporada. Tal vez porque, técnicamente, es una continuación no tanto de la primera temporada como de la película, Made in Abyss: El amanecer del alma profunda. También puede ser un poco por las más que notorias diferencias con la primera tanda de episodios.



El primer y más obvio cambio es que, así como la Made in Abyss original nos presentaba el pozo desde la ciudad de Orth, arriba del todo, e iba recorriendo varias de las diferentes capas a lo largo de la temporada, en esta ocasión el título no engaña y toda la acción se centra apenas en una única ciudad dentro del abismo. Al menos, eso sí, este cambio tiene un efecto positivo: dedicar mucho más tiempo a la misma ubicación permite desarrollar bastante más a algunos personajes y ayuda a dar más profundidad al universo de la serie, algo que, reconozco, también le habría venido bien a la primera temporada en algunos momentos. Desafortunadamente, es difícil sacudirse la sensación de que a ratos los innumerables flashbacks no nacen solo de un afán de mejorar la narración, sino que son un poco disimulado intento por alargar la temporada lo máximo posible para no gastar los secretos del pozo antes de tiempo. Una sensación que no hace sino empeorar cuando tenemos en cuenta que, pese a lo abrumador del desarrollo de algunos personajes, otros personajes se quedan totalmente en el tintero, como en el caso especialmente sangrante de Pakkoyan, que merecería haber tenido muchísimo más peso, pero cuyo desarrollo en la temporada sabe a muy poco. Siguiendo con los puntos destacables de la temporada, algo que también considero digno de mención han sido los antagonistas. Así como en la primera temporada, y aún más especialmente en la película, Bondrewd entraba demasiado en la categoría de científico loco psicópata asesino ávido de poder, aquí tanto Faputa por un lado como Wazukyan y Belaf por el otro tienen motivaciones bastante más elaboradas. Lo difícil de tomar partido sin más por uno de los bandos a causa de algunas de sus más que cuestionables decisiones acaba haciendo de la temporada una experiencia muy interesante. Dicho sea de paso, este mejor desarrollo de los antagonistas también ayuda a dar mejor contexto a los momentos de mayor violencia de la temporada. La serie, lejos de moderar sus momentos más crudos, no tiene el más mínimo reparo en recrearse con auténticos baños de sangre puramente gore, pero al menos consigue sacudirse en gran parte aquel extraño regusto de la primera temporada, cuando algunos de los momentos más violentos parecían no venir demasiado a cuento de nada. Siendo que era aquella violencia sin sentido uno de mis mayores problemas con la primera temporada, el hecho de que haya podido disfrutar esta aún más violenta segunda temporada me parece una muy buena señal que me hace esperar con más ganas la siguiente temporada. En resumen, creo que La ciudad dorada es una más que notable adición al universo inaugurado con la serie de 2017. Me temo que para quien llevara cinco años esperando esta entrega, lo acotadísimo de la acción hará que esta nueva temporada sepa a poco, así que solo queda esperar que la siguiente entrega no se haga tanto de rogar, pero creo que en cualquier caso esto es algo que no desmerece en absoluto el conjunto de esta excepcional serie. Antes de cerrar la entrada me veo en la obligación de volver a mencionar algo que ya dije en la entrada original y tal vez conviene recordar: el engañosamente inocente estilo de la serie puede llevar a error, pero no es esta en absoluto una serie para todos los públicos. Dicho queda. Otra vez. Sosu.

Etiquetas: Anime, Críticas en profundidad, Faputa

Encontré la serie de hoy gracias a una entrada de Espinof. Aunque no creo que pueda añadir mucho a lo que escribieron ellos, no me resisto a dedicarle unas líneas yo también.

BNA: Brand New Animal es una serie japonesa de animación (sí, otra). Transcurre en un mundo parecido al nuestro, pero donde los humanos normales y corrientes han coexistido desde hace miles de años con extraños humanos con rasgos animales, apropiadamente llamados animanos en el (por cierto, sobresaliente) doblaje español. Esta convivencia no ha sido fácil y los animanos se encuentran oprimidos y perseguidos por los mucho más numerosos humanos. La serie nos cuenta la historia de Michiru, una chica humana que, por una misteriosa enfermedad, se convierte en una chica mapache. Incapaz de seguir viviendo su vida normalmente decide escapar a Anima City, una ciudad poblada enteramente por animanos, con la esperanza de que allí puedan encontrar una explicación y una cura para su enfermedad, pero ni el viaje será fácil, ni lo que encontrará en en su destino será exactamente lo que esperaba. Debo decir que BNA no es una serie perfecta. En la animación, por ejemplo, no es difícil que se nos escape que en algunas escenas el presupuesto no daba para más, por ejemplo en algún momento donde el número de cuadros baja hasta llegar casi a pase de diapositivas. El desarrollo de algunos personajes tiene algunos tropiezos. Y de modo constante a lo largo de la serie, bastante pistas de lo que va a pasar a continuación son menos sutiles que un tren de mercancías (donde sea que queden de esas cosas). Pero, a pesar de todo esto, BNA es sencillamente maravillosa.

Las escenas donde la animación flaquea no son fruto del azar, la dirección es sólida y es fácil ver que si algunas (pocas) escenas menores quedaron algo descuidadas es por el esfuerzo que se dedicó al exquisito detalle de otras escenas que requerían de todo el cuidado. La animación sobresale no solo en estas escenas clave, sino también en el genial juego de estilos que acompaña al tono de cada escena, desde el estilo más caricaturesco en las escenas con Jackie al estilo más serio en las escenas donde la tensión sube. Y, casi por encima de todo, destaca el color. El magistral manejo del color del que hace gala la serie la convierte en una auténtica gozada visual. Los personajes pueden tener sus tropiezos, sí, pero hasta los secundarios en principio más superficiales acaban teniendo matices que los hacen interesantes. Personajes, eso sí, entre los que destaca la magnífica Michiru, cuyo crecimiento como personaje a lo largo de la serie hace de ella una inolvidable protagonista.

Y aunque la historia no guarde demasiado bien el secreto de alguno de sus giros, tampoco hace ninguna falta. La trama engancha tanto que poco importa saber lo que va a pasar, porque quieres verlo. BNA tiene el honor de ser la única serie que recuerdo con un episodio entero dedicado a un partido de béisbol (!) que, lejos de hacerme desconectar, consiguió mantenerme pegado a la pantalla (!!). Y por si la historia de Michiru no fuera suficiente, que lo es, el extraordinario worldbuilding suma aún más puntos, ayudando a meternos de lleno en la historia, mostrándonos que el mundo de la serie no se limita a la ciudad que podemos ver, sino que hay un riquísimo universo más allá.

En resumen, no tengo más que buenas palabras para esta serie y no puedo ocultar que me ha encantado y he disfrutado cada capítulo del primero al último. Solo puedo definir BNA como fantástica. Una grandísima miniserie que se cuela muy arriba en mi lista de favoritos y, aunque el final bastante cerrado lo hace difícil, me encantaría ver más episodios de este mundo y sus personajes. Absolutamente recomendada. Ah, y la canción de la cabecera es un te-ma-zo.

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