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Hace algún tiempo que no hablaba de algún anime por aquí, así que hoy rompo la racha por partida doble. Empiezo con Aggretsuko, serie de 2018 que sigue a Retsuko, una contable de Tokio que por las noches se desahoga de su trabajo insufrible cantando death metal en una cabina de karaoke. Debo reconocer que empecé a ver la serie en cierto modo engañado. Netflix a menudo la incluye en una lista común con BNA y Beastars, dos series que ya había visto antes pero con las que, ciertamente, Aggretsuko tiene más bien poco que ver. Así, mientras BNA y Beastars beben mucho de Zootopía (perdón, Zootrópolis) y basan una parte enorme de su trama en la condición animal de sus personajes y en el desarrollo de mundos notablemente diferentes al nuestro, Aggretsuko es una serie más tradicional en la que las personas tienen apariencia animal únicamente por razones de estilo. Puede que las aventuras de Retsuko no sean tan espectaculares como las de Michiru o Legoshi, pero así y todo su serie acaba resultando muy recomendable. Es difícil no simpatizar con Retsuko y su lucha por salir adelante, o no cogerle cariño a los otros personajes, especialmente sus compañeros Fenneko y Haida. A pesar de algunos altibajos y un par de momentos algo dudosos, la serie consigue mantener su espíritu amable a ritmo de death metal durante cinco temporadas que se ven enseguida. La segunda serie es Odd Taxi, de 2021. Aquí seguiremos los pasos de Odokawa, un peculiar taxista nocturno, y sus variopintos clientes, desde la noche de la misteriosa desaparición de una chica en Tokio. Aunque la premisa de Odd Taxi me interesó tan pronto oí hablar de ella, quiso la mala suerte que mientras estaba intentando comprobar si la serie había sido doblada al castellano (por cierto, no), leyese por accidente un comentario que destripaba por completo el último episodio. Si normalmente saber cómo acabará una serie de misterio es suficiente para quitarle gran parte del encanto, en este caso la cosa era aún peor ya que cierto detalle revelado en aquel comentario me parecía a priori bastante desafortunado: así como Aggretsuko era la víctima inocente de un malentendido promovido por Netflix, aquí (mal)interpreté que era la propia serie la que intentaba ser algo que no era, por lo que acabé dejándola aparcada. Pasaron casi dos años hasta que volví a encontrarme con Odd Taxi y, pese a aquella reticencia inicial, me animé a darle una oportunidad después de todo. Me alegro enormemente de que así fuera. Con un ritmo fantástico que engancha desde el primer episodio, incluso sabiendo qué va a pasar, es imposible no seguir mirando para ver cómo encajan todas las piezas. Puede que no todos los personajes estén igual de desarrollados o tengan el mismo interés, pero juntos conforman una apasionante historia digna del mayor respeto. Me resultó especialmente curioso ver como aquel detalle que me hizo apartarme de la serie en un primer momento acaba siendo, para bien o para mal, una parte de la historia y no la mera trampa cutre que me pareció en un primer momento. Una serie, en resumen, formidable y absolutamente recomendable. La serie fue recortada y (mínimamente) ampliada en forma de película con el título de Odd Taxi: In the Woods. A pesar de que puede resultar tentador decantarse por la película en lugar de ver la única temporada de la serie, debo decir que lo considero una terrible idea que desaconsejo por completo. Aunque incomprensiblemente la película mantiene algunos elementos que eran poco más que mero relleno, recorta brutalmente el que es, de lejos, el mejor episodio del anime, reduciéndolo a su más mínima expresión. Sin desmerecer la película como oportunidad para repasar la serie y volver a ver las miguitas que estaban por el camino, tristemente me parece una edición malograda que empañará la experiencia para quien la use para conocer la historia por primera vez. Hasta aquí las recomendaciones de hoy.
En cuanto Japón se anime a animar más animes con animales, más.

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Hace algo menos de un año hablaba por aquí de un juego que acababa de descubrir pero consiguió enamorarme desde el primer momento. Klonoa: Door to Phantomile para PlayStation. Aunque en la misma entrada comentaba que el juego tenía una secuela, decidí que quería hacer durar la experiencia un poco más y dejé este segundo juego aparcado unos meses. Este año finalmente llegó el momento y, una vez jugada la secuela, hoy quiero dedicarle unas palabras a Klonoa 2: Lunatea's Veil para PlayStation 2. Vaya por delante decir que el listón no podía estar más alto, a lo que se ha sumado la anticipación de esperar más de medio año para jugar. Con estos antecedentes, solo puedo decir que Klonoa 2 no ha cumplido las expectativas. Las ha superado con creces. Magistral ejemplo de cómo hacer una secuela, Klonoa 2 mantiene todo lo que funcionaba en la primera entrega y lo amplía para crear un juego capaz de ofrecer algo nuevo. Unos gráficos impresionantes que exprimen al máximo el salto del la quinta a la sexta generación, unos preciosos niveles cuidados al detalle y unos personajes enormemente carismáticos hacen que esta segunda parte sea la mejor continuación posible para el estupendo juego original.
Cuando a finales de 2022 hablaba del fantástico Tunic, mencionaba de paso que me gustaba jugar a juegos que ya tuvieran unos añitos, fue precisamente ésta la razón que me llevó a descubrir esta franquicia. En los últimos años he podido descubrir muchos otros juegos clásicos, algunos decepcionantes, algunos del montón, e incluso joyas ocultas merecedoras de todo respeto, pero de entre todos esos juegos ninguno ha conseguido cautivarme y crear en mí el sentimiento de veneración que siento por esta preciosa bilogía.

El injusto e incomprensible fracaso comercial de la secuela supondría el final de las aventuras de Klonoa, pero quiso la casualidad, o la previsión de unos programadores que no las tenían todas consigo, que las últimas palabras que Klonoa pronuncia en el juego no solo sean un gran final para el juego, sino que en retrospectiva sirven también como la despedida perfecta para la franquicia, haciendo que esta segunda parte no se limite a ser una nueva oportunidad de ver al bueno de Klonoa, sino que consigue dar incluso más valor a la primera entrega, convirtiendo el conjunto en algo aún más perfecto. No puedo más que considerar esta pareja de juegos como una pequeña obra maestra digna de la mayor admiración y cariño.
Ha querido la mala suerte (y, supongo, la falta de confianza de Bandai Namco en una de sus viejas marcas) que la versión definitiva lanzada en 2022 quede, en algunos aspectos, por debajo del original, por lo que puede que irónicamente el mejor modo de jugar la franquicia sea tirando de emulación (gracias por existir, PCSX2). Algo que quedaba un poco menos claro en el caso del primer juego, donde la versión definitiva es un extraño híbrido del excelente remake para Wii (que funciona perfectamente en Dolphin) con unos pocos elementos recuperados del maravilloso original para PlayStation (que funciona perfectamente en DuckStation), por lo que la mejor versión dependía del gusto de cada uno, pero tristemente menos abierto a debate por lo que respecta a esta segunda parte.

A pesar de todo, por primera vez que yo recuerde y sin que sirva de precedente, tras emular el primer juego decidí tirar de cartera para mostrar mi apoyo por la marca. Una decisión de la que, tras haber jugado a esta soberbia secuela, estoy todavía más orgulloso y, de todo corazón, espero sea imitada por quien sienta el mismo aprecio por esta encantadora obra de arte en forma de videojuego. Es ingenuo pensar que, dos décadas después del juego para PlayStation 2, si Klonoa Phantasy Reverie Series recibe la atención suficiente tal vez podamos volver a ver a Klonoa en una nueva aventura pero, por una vez, creo que vale la pena soñar. Rupurudu!

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Hace unos meses, cuando me deshacía en elogios hacia Kiff, aprovechaba para recordar a Gumball e Historias corrientes y comentaba que su marcha había dejado un hueco en el mundo de los dibujos animados. Aunque se me pasó en su momento por razones no demasiado difíciles de imaginar, lo cierto es que había otra serie de Cartoon Network que, por pleno derecho, tal vez debía tener su nombre ahí también. Apple & Onion, conocida (por decir algo) en España como Manzana y Cebolleta. Originalmente creada por un antiguo artista de storyboard de Gumball, Apple & Onion es una comedia de humor absurdo en la que una manzana y una cebolleta se mudan a una gran ciudad, en la que todos los habitantes son comida rápida.

Pese a lo desafortunado de un estilo que difícilmente causará una primera buena impresión a quien le pille de nuevas, lo cierto es que Apple & Onion es una serie muy divertida que nos arrancará más de una carcajada. Algo a lo que contribuye, sin duda, el genial Richard Ayoade, a quien conocimos como Moss en The IT Crowd y que presta su voz a Onion en la versión original. Un humor que no se limita a la pareja protagonista sino que se extiende a los secundarios de lujo, como el maravilloso Falafel o el inolvidable Chicken Nugget. Por desgracia, incluso a pesar de su corta duración, la serie entra en barrena hacia el final de su segunda y última temporada, donde algunos episodios tienen un tono incomprensiblemente amargo y por momentos algunas interacciones entre Onion y Apple llegan a resultar incómodas. Algo que se hace patente incluso en el cambio que sufre la cabecera, que abandona la vitalidad de la primera temporada y muestra a los personajes abatidos. Ignoro a qué pudo deberse este cambio y mentiría si no dijera que deja un regusto agrio después de una serie por lo demás brillante, pero al menos es algo que solo afecta a apenas un puñado de episodios. En cualquier caso, creo que Apple & Onion es una serie enormemente recomendable, así que recomendada queda.

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Leo en Espinof que estos días se cumplen 40 años del estreno de Scarface, por aquí conocida como El precio del poder. Una película icónica que nos dejó algunos momentos inolvidables y que descubrí, al igual que varios de mis colegas, gracias a su conexión con la saga de Grand Theft Auto. Una conexión por partida doble y cuyo máximo exponente fue el modo en que la película inspiró aquel Grand Theft Auto: Vice City de 2002-2003. Sí, Vice City como en ese futuro GTA VI, que curiosamente también se anuncia estos días. Igual no es casualidad que el esperado tráiler haya coincidido en el tiempo con esta celebración. Aunque la inspiración de Vice City era innegable, había una conexión aun más directa. Un año antes, Grand Theft Auto III venía con parte de la banda sonora de El precio del poder en una de sus emisoras, Flashback 95.6. A pesar de que, dentro del juego, en esa radio presumían de tener todos los grandes éxitos, Rockstar todavía no era la máquina de hacer dinero que es hoy y el presupuesto no daba para el despliegue que si se pudo permitir GTA: Vice City poco tiempo después, así que en lugar de grandes éxitos de verdad, la emisora se tuvo que conformar con cinco canciones que se habían escrito para la película. No quitó para que, incluso entonces, Flashback FM fuera mi emisora favorita y acabara aprendiéndome de memoria los apenas 20 minutos del bucle.



Ahora que celebramos los cuarenta años de Scarface no he podido evitar acordarme de uno de los indicativos de aquella emisora.

All the songs you were tired of twenty years ago. Flashback FM.

Aquel corte es hoy tan viejo como entonces lo eran aquellas canciones. Casi nada. Felices veinte+veinte años, Tony.

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El 3 de septiembre de 1973, a las 18 horas, 20 minutos y 32 segundos, un moscón de la familia de las Calliphoridae capaz de batir las alas 14.000 veces por minuto se posaba en la calle Saint-Vincent de Montmartre.

En el mismo instante, en un restaurante cerca del Moulin de la Galette, el viento se colaba como por arte de magia bajo un mantel haciendo bailar unas copas sin que nadie lo viera.

Al mismo tiempo, en la avenida Trudaine 28, quinto piso, del distrito número 9 de París, Eugène Koler, al regreso del entierro de su mejor amigo Emile Maginot, borraba su nombre de la agenda.

Siempre en ese mismo instante, un espermatozoide provisto de un cromosoma X perteneciente a Raphaël Poulain se separaba del pelotón para alcanzar a un óvulo perteneciente a la señora Poulain, de soltera Amandine Fouet. Nueve meses después nacía Amélie Poulain.

Amelie (2001)

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